Origem do Cinema

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Do cinema mudo aos efeitos especiais

A origem do cinema começou com experimentos nos Estados Unidos e na Europa no final do século 19. O inventor americano Thomas Alva Edison patenteou a primeira máquina de filme, o cinetoscópio, em 1891. Quatro anos mais tarde, os inventores franceses Louis e Auguste Lumière demonstraram a a câmera-projetora chamado de cinematógrafo. Durante o evento foi exibido o filme L’Arrivée d’un Train à La Ciotat. O sucesso foi quase instantâneo e a notícia se alastrou e, em pouco tempo, este nasceu a indústria multibilionária do cinema.

Cineastas americanos logo se tornaram proeminentes. Grandes estúdios estavam situados em Nova York, como o influente diretor D.W. Griffith. Em dezenas de filmes, ele desenvolveu uma gramática de filmagens e efeitos de iluminação para evocar a emoção do público. Seu grande sucesso O Nascimento de uma Nação (1915) foi pioneira na ideia de cinema como arte.

Entre 1910 e 1920, o cinema americano deslocou-se para Hollywood. Os principais diretores como Cecil B. DeMille (Os Dez Mandamentos, 1923), de Ernst Lubitsch (O Círculo de Casamento, 1924), e John Ford (The Iron Horse, 1924) ofereceu uma variedade de gêneros épicos, comédias românticas, e westerns. Mack Sennett juntamente com Keystone Cops introduziram Charlie Chaplin. Retratando o desamparado “vagabundo”, em The Kid (1921), The Gold Rush (1925), e outros, Chaplin tornou-se uma das primeiras estrelas internacionais do cinema.

Vários outros países estabeleceram-se como centros de cinema. A Alemanha foi o berço do movimento expressionista, consubstanciado na Robert Weine de O Gabinete do Dr. Caligari (1919). Na Rússia, Potemkin de Sergei Eisenstein (1925) epitomizou a idéia de montagem. A França tornou-se uma fonte rica de filmes, com diretores humanistas como Rene Clair e Abel Gance.

O filme americano The Jazz Singer de 1927 introduziu som ao cinema, revolucionando a indústria mundial. Gêneros que exigem diálogo espirituoso ou orientado para a ação, como filmes de gangsters e comédias, ganharam primazia, assim como musicais extravagantes. Os estúdios americanos, incluindo a Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount e Warner Bros, aperfeiçoaram um “sistema de estúdio” que produziu um fluxo constante de filmes e estrelas para o público da época que buscam escapar da depressão. Estrelas americanas do período incluíram James Cagney, Bette Davis, Clark Gable, Cary Grant e Katharine Hepburn. O sistema atingiu seu ápice em 1939, com dezenas de filmes, agora clássicos, incluindo o épico Guerra Civil e E o Vento Levou (1939).

Altas realizações artísticas marcaram o cinema europeu durante os anos que antecederam a Segunda Guerra Mundial. Filmes notáveis ​​incluíram clássicos antiguerra como A Grande Ilusão de Jean Renior e Triumph of the Will de Leni Riefenstahl’s Nazi (1935).

A Segunda Guerra Mundial e suas conseqüências também trouxeram elevado realismo para o cinema internacional. Diretores italianos como Roberto Rossellini e Vittorio DeSica inauguraram o neo-realismo, com, respectivamente, Cidade Aberta (1949) e O Ladrão de Bicicleta (1945). Contrariando a tendência de realismo estilizados, surgiram cineastas idiossincráticas como o italiano Federico Fellini (La Dolce Vita, 1960) e o sueco psicológico Ingmar Bergman (O Sétimo Selo, 1956).

Nos anos de 1950 e 1960, um grupo de diretores franceses (muitos deles críticos de cinema), iniciaram a nouvelle vogue (new wave). Este movimento trouxe filmes peculiares e originais como o de François Truffaut Os quatrocentos Golpes (1959) e Jean-Luc Godard de Acossado (1960). Cinema alemão se reinventou depois da Segunda Guerra Mundial com as críticas sociais variadas de diretores como Werner Herzog, Wim Wenders e Rainer Werner Fassbinder (O Casamento de Maria Braun, 1979).

O cinema não-ocidental ganhou uma sequência internacional após a Segunda Guerra Mundial através das obras de diretores japoneses Akira Kurosawa (Rashomon, 1950) e Yasujiro Ozu (A História de Tóquio, 1953) e o cineasta indiano Satyajit Ray (Pather Panchali, 1955). Na América Latina o maior destaque ficou por conta da Argentina e do diretor Fernando Solanas.

A mudança dos gostos, diminuiu o público nos cinemas e aquisições corporativas efetivamente destruiram o  sistema de estúdio americano no final da década de 1960. No seu retorno surgiram novos experimentos com produções de cineastas como Stanley Kubrick, Robert Altman, Francis Ford Coppola e Martin Scorsese. Nos últimos anos, os estúdios independentes têm crescido, tornando-se conhecido por apoiar o cinema original de alta qualidade.

Filmes norte-americanos desde a década de 1970 são conhecidos por obras de grande orçamento. Principlamente por seus ilimitados efeitos especiais, o sucesso tem sido dominado por dois diretores: George Lucas e Steven Spielberg.

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